INTRODRUCCIÓN: El barroco se desarrolla durante el S.XVII en Europa, una época de crisis y de contrastes. Se produjeron problemas demográficos y crisis agrarias, pero, a la vez, se desarrollaron el comercio colonial y la producción de manufacturas. La nobleza y el clero mantuvieron su poder, pero nuevos grupos sociales, como la burguesía, aumentaron su influencia. El poder de las monarquías absolutas se afianzó. El arte fue un fiel reflejo de esta época. La estética del Barroco superó el clasicismo del Renacimiento e introdujo elementos más complejos, llenos de movimiento y color.
Pintura: Descendimiento de Cristo
El descendimiento de la cruz es un óleo de Peter Paul Rubens, pintado hacia el año 1612. Es la segunda parte de un tríptico, donde también se muestran la Visitación de la Virgen y la Presentación de Jesús en el Templo. Se conserva en la Catedral de Amberes, Bélgica.
Tema: se representa un tema religioso que exalta el martirio de Cristo y reafirma las creencias cristianas. Es la tabla central de un tríptico del que forman parte también la Visitacion y la Presentación. Fue encargado por la cofradía de los arcabuceros, cuyo patrón era San Cristobal, para su capilla de la catedral de Amberes. Su función es religiosa, llegando a las emociones mediante el dramatismo y el efectismo de luces y sombras.
Composición: se caracteriza por las diagonales que organizan la escena y entre las que se distinguen la que forma el cuerpo de Cristo y la tela de lino blanca (desde el fondo hacia el espectador), la que se encuentra en el brazo del personaje con torso desnudo y la que forma San Juan. Otorgan un ritmo lento a la escena. Se han usado distintos recursos para generar sensación de movimiento como: curvas, contracurvas, escorzos, líneas, gestos y expresiones en las figuras. La composición es abierta y la escena se desarrolla en un pequeño espacio.
Luz: el tipo de luz usada es una luz lateral que parece proceder del cuerpo de Cristo. Esta luz genera claroscuro (inspirado en Caravaggio, para resaltar a Cristo). Las zonas iluminadas poseen un gran detallismo, pero las zonas oscuras están desdibujadas, generando así grandes contrastes.
Color: el color es usado con un valor cromático, para la creación de contrastes que componen la obra. Observamos colores primarios como el rojo o el blanco, que ocupan el centro del cuadro de forma muy llamativa. Después usa otros colores ya secundarios como pueden ser: el azul, verde, naranja, gris entre otros.
Personajes: Cristo desnudo es bajado lentamente y su cuerpo es sostenido por San Juan, que viste túnica roja y en postura forzada; por María Magdalena, que se encuentra arrodillada y sostiene una pierna de Jesús; por José de Arimatea, con barba a la izquierda y por la Virgen, que no se desvanece y participa activamente en el descendimiento del cuerpo de su hijo. Está acción concentra la tensión y el dramatismo del momento.
Sus expresiones se caracterizan por posturas forzadas y gestos para aumentar el dramatismo y conmover al espectador.
Las figuras parecen oprimidas y sus cuerpos son demasiado volumétricos. La musculatura de las figuras es robusta y en ellas se aprecia la influencia de las obras de Miguel Ángel o las esculturas helenísticas como el Laocoonte. Presentan partes giradas con respecto al resto del cuerpo, aportando mayor tensión al conjunto.
Las figuras parecen oprimidas y sus cuerpos son demasiado volumétricos. La musculatura de las figuras es robusta y en ellas se aprecia la influencia de las obras de Miguel Ángel o las esculturas helenísticas como el Laocoonte. Presentan partes giradas con respecto al resto del cuerpo, aportando mayor tensión al conjunto.
Contexto: En Bélgica triunfaba la aristocracia, el comercio y la artesanía, al igual que el catolicismo (aunque menos dramático que en España). Esta tendencia de defensa del catolicismo con efectos de luz y color se observa en este cuadro. Pero por otra parte, el gusto de la aristocracia y también de la burguesía genera una temática muy variada vinculada al optimismo y alegría de vivir: temas mitológicos y alegóricos, temas costumbristas y el retrato como elemento de prestigio.
Autor: Pedro Pablo Rubens (1577 – 1640) fue sin ninguna duda, el artista más destacado de la conocida escuela flamenca que se desarrolló en Flandes durante la época barroca. Humanista y viajero, Rubens comenzó a estudiar pintura tras la muerte de su progenitor. Sus años de formación fueron de la mano de pintores de segunda, de los que el artista pronto absorbió todo lo que podían enseñarle. De su paso por Italia y España quedaron varios ecos en su pintura, que unidos a su maestría, lo convirtieron en uno de los artistas más apreciados de todo Flandes. A partir de 1620 le artista logró una fama mundial que le permitía realizar encargos para las cortes europeas más importantes.
Características: la pintura barroca de caracterizó por:
-El predominio del color sobre el dibujo y la pintura al óleo
-Uso del contraste entre la luz y sombra (claroscuro) para dar profundidad
-Búsqueda del movimiento mediante líneas onduladas, cuerpos en posición oblicua
-Proliferación de temas mitológicos, históricos y retratos.
La pintura barroca europea del siglo XVII no fue homogénea y pueden diferenciarse diversas escuelas o tendencias, entre las que se encuentra la escuela flamenca, de donde procede esta obra:
En Flandes, la pintura barroca tuvo como máximo exponente a Rubens. Sus obras reúnen las principales características de la estética barroca, como el predominio del color sobre el dibujo y el dinamismo y sensualidad en las composiciones.
Escultura: Apolo y Dafne
Apolo y Dafne es una escultura realizada por el italiano Gian Lorenzo Bernini entre los años 1622 y 1625. Pertenece al estilo barroco. Está construida en mármol y es de tamaño natural. Se encuentra expuesta en la Galería Borghese (Roma)Simbología: Cuenta el mito de Apolo y Dafne. Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él y para ello le arrojó una flecha de oro, que causaba un amor inmediato a quien hiriere. Otro disparo hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plata, que causaba el rechazo amoroso. Así que, cuando Apolo vio un día a Dafne, se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. La ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su padre, el río Peneo, el cual convirtió a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pies fueron raíces que se anclaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: «Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las personas en señal de victoria».
Tema: es de temática mitológica. La función de esta obra es emocionar e impactar al espectador. Por su temática podemos deducir que esta escultura simboliza el amor imposible representado por el mito greco-romano de Apolo y Dafne. Sin embargo, mediante el desnudo recuperado del Renacimiento, Bernini también ofrece una meditación de la naturaleza y el hombre. Por último, y más acorde con el pensamiento contrarreformista y católico de la época, esta escultura podría representar una metáfora del final trágico de aquellos que se dejan llevar por los placeres carnales.
Tipología: esta escultura es exenta e individual, pues se puede observar desde distintos puntos de vista y genera movimiento por parte del espectador.
Material: el material utilizado es el mármol típicamente clásico. Con una superficie muy pulida en los rostros y la piel, aportando un gran realismo a las anatomías, y más rugosa en otras, especialmente en los pies de Dafne. El autor utiliza el mármol con un gran virtuosismo, destacando especialmente su tratamiento en las hojas.
Composición: la composición de esta escultura es abierta, pues está pensada para ser vista desde distintos puntos de vista, y claramente asimétrica. El autor utiliza una diagonal que aporta dinamismo e inestabilidad a las figuras y emplea diversas líneas curvas acentuando el dramatismo barroco de la obra. El dinamismo se ve resaltado en los cabellos de Dafne, movidos por el viento.
Luz: la luz tiene un sentido dramático, resbala en las superficies más pulidas y las suaviza, como podemos observar en los cuerpos de Apolo y Dafne, o creando un gran claroscuro en las superficies más rugosas como en el pelo.
Color: la escultura ante la que nos encontramos es monócroma.
Figuras: las figuras de esta escultura son idealizadas, con un canon clásico en las anatomías que las hace más esbeltas, y una belleza sensual y delicada en el rostro de la ninfa. Presentan una posición dinámica inestable, pues el autor quiere representar el momento de mayor tensión. En cuanto a las expresiones, podemos observar el contraste entre el horror de Dafne y el embelesamiento del rostro de Apolo, resaltando así el carácter narrativo, dramático y teatral de la obra.
Autor: Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles el 7 de diciembre de 1598 y murió en Roma el 28 de noviembre de 1680. Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco. Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.
Características de la escultura: la escultura del barroco buscaba la representación del movimiento, la impresión de equilibrio inestable, captar un momento fugaz de la acción. También busca la expresión de sentimientos y los gestos dramáticos, con la intención de conmover y sorprender.
Es una obra del arquitecto Giácomo Barozzi da Vignola, conocido como Vignola, realizada en 1568. Se trata de un monumento religioso construido por la orden jesuita, que busca la creación de un espacio a base de amplias salas sin columnas para albergar gran cantidad de fieles, de manera que todos pudiesen atender a las predicaciones. Este tipo de iglesia, establecida en Roma por Vignola, se centrá en la arquitectura católica de la Contrarreforma tras el Concilio de Trento.
Vignola diseñó una planta de cruz latina de una sola nave. Posee un amplio crucero que se ilumina gracias a la cúpula y una serie de capillas laterales. La nave se cubre con una bóveda de cañón. Se abre un ábside semicircular central La cúpula desempeña un papel en la distribución de la luz, que incide sobre todo en el crucero, mientras que la nave recibe una menor iluminación. Esta organización de la luz interior es la primera vez que aparece y va a ser uno de los elementos fundamentales de la arquitectura del barroco.
La fachada del Gesú es obra del arquitecto Giacomo della Porta, que introdujo una serie de elementos poco clásicos que muestran el inicio del barroco. En general, conserva la tradición del siglo anterior, con un cuerpo bajo con pilastras corintias y un cuerpo superior que remata en frontón. El cuerpo bajo es más ancho, ya que tiene la amplitud de la nave central más las capillas, mientras que en superior solo tiene la anchura de la nave central. Los dos pisos se unen por una moldura curva con dos volutas que logra casar los dos cuerpos. Se inspira en Santa María Novella de Alberti. Esta solución arquitectónica se va a poularizar y gozar de gran reputación.
Autor: Jacopo Barozzi nació en Vignola (Italia) en el año 1507 y murió en Roma en 1573. Fue conocido simplemente como Vignola, por haber nacido en esta ciudad italiana. Fue un destacado arquitecto y experto del Renacimiento italiano. Dejó sus ideas en algunos Tratados como "Las cinco órdenes de arquitectura"
Características de la arquitectura: la arquitectura del barroco se caracterizó por la búsqueda de movimiento y dinamismo. Los arquitectos consiguieron el dinamismo mediante efectos de luz y sombra, una exuberancia decorativa que decoraba muros y columnas y la elevación de cúpulas. También sustituyeron las plantas de cruz latina y griega por otras más elípticas. Se originó sobre todo en Italia y Roma.
Características de la escultura: la escultura del barroco buscaba la representación del movimiento, la impresión de equilibrio inestable, captar un momento fugaz de la acción. También busca la expresión de sentimientos y los gestos dramáticos, con la intención de conmover y sorprender.
Arquitectura: Iglesia del Gesù
Es una obra del arquitecto Giácomo Barozzi da Vignola, conocido como Vignola, realizada en 1568. Se trata de un monumento religioso construido por la orden jesuita, que busca la creación de un espacio a base de amplias salas sin columnas para albergar gran cantidad de fieles, de manera que todos pudiesen atender a las predicaciones. Este tipo de iglesia, establecida en Roma por Vignola, se centrá en la arquitectura católica de la Contrarreforma tras el Concilio de Trento.
Tanto su fachada (una verdadera revolución en su época) como la planta de nave (única con pequeñas capillas laterales) marcaron la pauta que luego siguieron miles de iglesias.
Vignola diseñó una planta de cruz latina de una sola nave. Posee un amplio crucero que se ilumina gracias a la cúpula y una serie de capillas laterales. La nave se cubre con una bóveda de cañón. Se abre un ábside semicircular central La cúpula desempeña un papel en la distribución de la luz, que incide sobre todo en el crucero, mientras que la nave recibe una menor iluminación. Esta organización de la luz interior es la primera vez que aparece y va a ser uno de los elementos fundamentales de la arquitectura del barroco.
Los materiales que se utiliza son piedra, ladrillo, madera, revestimiento de estuco y mármol.
La fachada del Gesú es obra del arquitecto Giacomo della Porta, que introdujo una serie de elementos poco clásicos que muestran el inicio del barroco. En general, conserva la tradición del siglo anterior, con un cuerpo bajo con pilastras corintias y un cuerpo superior que remata en frontón. El cuerpo bajo es más ancho, ya que tiene la amplitud de la nave central más las capillas, mientras que en superior solo tiene la anchura de la nave central. Los dos pisos se unen por una moldura curva con dos volutas que logra casar los dos cuerpos. Se inspira en Santa María Novella de Alberti. Esta solución arquitectónica se va a poularizar y gozar de gran reputación.
Autor: Jacopo Barozzi nació en Vignola (Italia) en el año 1507 y murió en Roma en 1573. Fue conocido simplemente como Vignola, por haber nacido en esta ciudad italiana. Fue un destacado arquitecto y experto del Renacimiento italiano. Dejó sus ideas en algunos Tratados como "Las cinco órdenes de arquitectura" 
Giacomo della Porta nació en al año 1540 en Roma, y murió en el año 1602. Fue un escultor y
arquitecto italiano que trabajó en muchos edificios importantes de Roma,
incluyendo la Basílica de San Pedro, en el Vaticano.
Características de la arquitectura: la arquitectura del barroco se caracterizó por la búsqueda de movimiento y dinamismo. Los arquitectos consiguieron el dinamismo mediante efectos de luz y sombra, una exuberancia decorativa que decoraba muros y columnas y la elevación de cúpulas. También sustituyeron las plantas de cruz latina y griega por otras más elípticas. Se originó sobre todo en Italia y Roma.
